Блог

Вижу уже которую выставку на тему "общий дом". https://www.photographer.ru/events/afisha/8396.htm И в очередной раз - вместо общего современного дома нам показывают непонятную декоративную избу, расписанную матрёшками и церквушками. У меня нет технических претензий к картинкам, это нормальный сусальный сток/тревел в стиле "рашен деревяшен", но домом это я назвать не могу, разве что декорациями для лубка.

(или о важности того, КАК) В Центре фотографии им. братьев Люмьер до 23 февраля идет выставка британского фотографа Майлса Олдриджа (Miles Aldridge) «Вкус цвета». Майл Олдридж работает в рекламе – более коммерческого применения фотографии сложно придумать. Казалось бы, потребителям его творчества, да и ему самому должно быть меньше всего интересно думать о том, КАК фомируется сюрреалистическая палитра его произведений. И тем не менее на выставке представлены не только итоговые отпечатки (C-Print), очевидно прошедшие цифровую «чистку», но и прямые «контакты», сохранившие всю прелесть квадратного негатива. Рассматривать контакты и сопоставлять впечатление от них с тем, которое производят итоговые принты, чрезвычайно интересно: 1. Кроп. Автор кадрирует квадрат до плакатного формата: альбомного или портретного. При этом из тщательно срежиссированных сцен не только исчезает оптическая геометрия, но и вес персонажей существенно меняется. 2. Цвет. Автор проводит суровую цветовую зачистку. Любопытно наблюдать, от каких пленочных «грехов» он избавляется, а какие, наборот, форсирует, очевидно, считая их достоинствами. 3. Размер. Огромный размер отпечатков психологически меняет восприятия фотографии: как будто некое внутрее пространство оказывается вывернутым наружу. Особенно забавно, что технически ультрасовременный, востребованный и гламурный Автор занимается фотографией и с удовольствием болтает о технической ее стороне. Олдридж не только снимает на цветную пленку, но и печать использует фотографическую. И даже трафаретная печать, которой он в последнее время увлекся, задействует фотографический процесс на стадии изготовления трафарета. Те, кому любопытна механика процесса в изложении самого Автора, могут прочитать интервью на английском. https://fadmagazine.com/2018/05/05/interview-miles-aldridge/

В отделе Истории, археологии и пикториальной фотографии Серпуховского историко-художественного музея открывается ежегодный фотофестиваль «Андреевская осень – 2018», посвященный творчеству выдающегося фотохудожника Николая Андреева. Фестиваль открывает выставка «Георгий Колосов. Русский Север». После открытия состоится творческая встреча с Георгием Колосовым. Георгий Мстиславович Колосов – классик современной пикториальной фотографии. Мастер мягкорисующей оптики, создавший несколько уникальных объективов для себя и последователей. Главный исследователь творчества фотохудожника Н. Андреева. Действительный член Союза Фотохудожников России. В течение 25 лет создал более 200 работ. Выставка дает ответ на вопрос: «Что же такое «Русский Север» и почему он стал на одиннадцать лет единственной темой мастера?» Открытие состоится 15 сентября 2018 г. в 15-00 по адресу: г. Серпухов, ул. Калужская, д. 48.

(о выставке «Борис Кустодиев. Живопись , фотография» в МАММ-МДФ) Борис Кустодиев оказался чудесным фотографом с тонким чутьем к пластике фотографического изображения. Визуальный контраст с его живописными и графическими работами огромен. Фотографии Кустодиева сохранились плохо – на выставке представлены цифровые отпечатки со сканированных и, возможно, несколько отретушированных снимков. Тем не менее искренность и контактность Автора проявляются не меньше, чем его художественные навыки. В сожалению, организаторы сэкономили на безбликовом стекле. Снимки, которые висят выше уровня глаз, вовсю отражают потолочное освещение. И все же любуясь ненавязчивой «игривой» композицией фотографий Кустодиева (особенно сельских зарисовок), жалеешь, что в целом русская фотография ХХ века пошла по пути «визуального удара» а-ля Родченко, а не «визуального диалога» а-ля Кустодиев. Или, как писал сам Автор в письме И.С. Куликову из Батума: «Любви у нас мало.» http://mamm-mdf.ru/exhibitions/jivopis-fotografiya/

На этой неожиданно большой и информативной выставке притягательны не только картинки, но и высказывания Генри Тальбота, который много лет искал оправдание своему детищу. Учитывая, что цитаты – лишь часть диалога, в котором нам доступны реплики только одной стороны, партию оппонентов приходится «дописывать» в голове. Очевидно, Тальботу здорово досталось за то, что он от нечего делать изобрел технически бессмысленный и художественно бесперспективный процесс, который к тому же «отбирал хлеб» у честных художников. Впрочем уверенность в том, что «если больной очень хочет жить, то врачи бессильны», крепнет с каждым залом. Уже к середине 1840х Тальбот начинает именовать свое занятие не иначе как «искусством». Выставку открывает весьма забавное предисловие кураторов, в котором можно прочитать, что: «Процесс Тальбота, калотипия или «фотогенический рисунок», был воспроизводимой бумажной позитивно-негативной технологией, применявшейся до недавнего времени, когда рождение цифровой фотографии превратило аналоговые отпечатки в исторический анахронизм.» Завершает выставку фильм, в котором вполне живой и современный Дмитрий Орлов на глазах совершает акт «исторического анахронизма». По иронии судьбы, полгода назад в тех же залах размещалась выставка Джорджо Моранди, одним из экспонатов которой был текст интервью: «Эдуард Родити: Вы только что сказали, что никогда не желали брать на себя ответственность советовать и учить, тем не менее преподавали гравюру в технике офорта на протяжении многих лет. Джорджо Моранди: Я согласился только потому, что эта дисциплина предполагала преподавание одной лишь техники.» Вполне возможно, что аналоговые отпечатки действительно оказались «историческим анахронизмом» в тех местах, где в такой же анахронизм превратилось преподавание технических навыков.

Когда-то, в бытность мою молодым и радикальным, работы Алексея Васильева казались мне слишком консервативными. Такой «совсем правильный скучный пейзаж», что ли… Но годы идут, и отношение меняются, и понимаешь, что пейзаж просто хороший. А выставка эта – ещё и иллюстрация того, что правильно сделанная экспозиция – это сильно больше, чем просто сумма фотографий. Творчество автора приобрело цельность и определённое новое качество. И хотя нетрудно понять, что Алексей Васильев, образно говоря, Лемешев, а не Паваротти – то есть явление российского масштаба, но не международного – это никак не мешает получить от выставки удовольствие и порекомендовать её к просмотру тем, кому интересен классический чёрно-белый пейзаж «Адамсовской» школы.

Сходил недавно на выставку архивов ТАСС. Удивительно, но, несмотря на необозримые ряды барьеров и охрану, словно перед митингом сразу двух оппозиционных партий, я туда всё же попал. Надо отдать должное – охрана вежлива. Впрочем, я не об этом. Итак, выставка. Когда я собирался туда идти, меня несколько пугала эта экспозиция из более, чем тысячи кадров – я ожидал некоторой «несмотрибельности» из-за объёма. Однако, этой проблемы устроителям удалось избежать довольно интересным способом. Скажу прямо, хронологического порядка и «истории ТАСС от 1920-х к 2000-м» на выставке нет. Там есть скорее темник, решённый довольно забавно. На территории Манежа выставлены три ряда больших своеобразных стендов, и каждый из них, а нередко 2-3, посвящен определённой тематике, название которой содержит игру слов на основе ТАСС. ТАСССтроительство, ТАСССвятыни, ТАСССамочувствие, ТАСССпорт, ТАСССолдаты и так далее. На каждом стенде, вернее с каждой стороны каждого стенда – примерно по 20 фотографий, расположенные в «упорядоченном беспорядке», частично вперехлёст, а внизу – таблички-описания. В результате получается «темник», в котором каждый стенд воспринимается как большой образ для рассматривания. Или выполненный в оффлайновой реальности сайт. С другой стороны, впечатление от отдельных фотографий во всём этом теряется полностью. Перед моим умственным взором снова встаёт любимый вопрос – что приобрели и что потеряли. Избежав «перегруза» зрителей количеством фотографий, потеряли сами фотографии и историческую перспективу. Мне думается, что это неоправданно большие потери. В принципе, от фотовыставки там есть только так называемая «безымянная стена» (кажется так) – стена в конце зала, на которой висят фото, не идентифицированные по авторам. По некому «случайному» совпадению, именно там оказалось всё, хоть сколько-нибудь непарадное. Это ТАСС, дорогой товарищ…. О содержании выставки можно говорить, или нет – но прежде всего надо чётко отдавать себе отчёт, что ТАСС никогда не было новостным агентством, зато было – пропагандистским. В СССР не происходило ничего плохого, зато комбайны с улыбающимися комбайнёрами весело рассекали шеренгами золотое море пшеницы, а с берега им махали синими платочками доярки в чистеньких платьицах и белых фартучках. Ну и всё остальное в таком же стиле. Это даже не упрёк с моей стороны, просто констатация факта. На фотографиях ТАСС – не реальная жизнь, а некий советский «диснейденд», и надо отдавать себе в этом отчёт. А дальше – каждый решает, как относиться к этой экспозиции. Меня она не привязала к себе надолго.

Крамольные мысли лезут в голову после посещения выставки «Видения Виктора Колара» в Центре фотографии им. братьев Люмьер. Прекрасный фотограф с удивительным чувством дистанции между видимым и воспринимаемым, похоже, так и не сумел преодолеть эту дистанцию в своем родном городе. Снимки, снятые в Остраве, в подавляющем большинстве содержат спины, фрагменты тел и нарочито пойманных в кадр прохожих «на фоне». Отчуждение. Как будто сама жизнь противилась такому стилю видения. А композиционные приемы, навязанные еще Брессоном, оказались нерезонансны в иной социальной реальности. Вспомнила, что «с нашей стороны» примерно в то же время (1970-80е) снимали, в частности, Владимир Соколаев и Валерий Щеколдин, которым каким-то образом удалось «убить в себе Брессона» и посмотреть людям в лицо, даже если эти лица никаких философских глубин в себе не таили. И стало как-то обидно, что один ушел в астрал, а другой – в идеологию. И что зерно, начавшее было прорастать в позднесоветской фотографии, а именно – умение видеть в рядовом человеке главного персонажа, а не часть композиции – так и осталось в земле. И некому о нем позаботиться – слишком мелкий объект «на фоне» великих явлений. Выставка открыта до 25 сентября 2016 г. http://lumiere.ru/exhibitions/id-195/